Blog

Ce mélange mutant de r’n’b et d’électro au tempo élevé a tout explosé en Angleterre. Timide, tonitruant et ensuite invisible, il s’est relevé du néant pour connaître une nouvelle explosion dans les années 2010. Un genre jamais (vraiment) mort en définitive.

Le 2-step garage est né dans les années 1990 au Royaume-Uni, issu du garage house américain, avec des rythmes syncopés et des influences R&B. Dire que ce genre n’est qu’une note en bas de page de l’histoire de la musique britannique serait très insultant. Car le 2-step garage est plus qu’une ritournelle, ce fut clairement un projet de vie pour bon nombre de clubbers anglais. Les débuts étaient confidentiels, presque invisibles, mais sincères. L’essor des radios pirates permit alors au garage de muter en une myriade de sous-catégories musicales, dont le 2-step garage. Celui-ci connut une incroyable apogée dans les années 2000, en partie grâce à la pléthore de hits en masse qui occupèrent longtemps les charts britanniques, voire européens. Le 2-step garage devint petit à petit, le symbole même de cette période. De nouvelles stars firent leur apparition : Lonyo, So Solid Crew, Sweet Female Attitude, Craig David, Mis-Teeq, Artful Dodger. Mais les controverses liées à des faits de violence dans les discothèques, ainsi que la mue du 2-step garage en grime, plus violent et plus froid, sonna le glas du genre. Le style s’essouffle, cédant la place à d’autres styles musicaux plus « présentables » comme le dubstep. La vieille garde continua d’exister de façon confidentielle pendant quelques années, avant de connaître une surprenante renaissance dans les années 2010. Grâce à la nostalgie et les réseaux sociaux, de nouveaux artistes changèrent la donne avec le future garage et le UK bass. Une nouvelle génération d’artistes comme PinkPantheress, Charli XCX, Rudimental, Eliza Rose ou encore Disclosure, firent la part belle aux envolées électroniques et renouèrent avec le succès. Pas mal du tout, pour un micro-style musical qui connut une brève popularité. Méprisé par une frange de professionnels hostiles à son développement à cause de ses origines modestes, le 2-step garage a bien failli ne jamais s’imposer. Et son revival n’a rien d’étonnant dans un contexte social plus que déprimant. A l’écoute de ces chansons, c’est toute une époque qui revient… Vif, plaisant et très populaire, le 2-step garage reste encore aujourd’hui très vivace pour beaucoup de Britanniques et mêmes d’Européens. 

Naissance du 2-step garage

Il faut savoir que depuis aussi au moins le 16e siècle, le Royaume-Uni a toujours été un pays abritant de nombreuses nationalités. Mais le réel brassage culturel, survient plutôt dans les années 50. Le flux massif d’immigrants du Commonwealth (Inde, Pakistan, Caraïbes, Jamaïque) va profondément marquer la société britannique. L’arrivée du « Windrush » en 1948, avec des migrants caribéens, est souvent considérée comme un moment fondateur du Royaume-Uni multiculturel. Plusieurs générations et plusieurs nationalités cohabitent dans un joyeux fatras dans des quartiers populaires abordables de Londres comme les Docks, Battersea, Brick Lane, Whitechapel. Dans ce chaos urbain et coloré, allait naître de nombreuses opportunités de création. Le Uk Garage, placide, cool, et « soul« , très influencé par le garage house américain d’alors, devient à la mode au début des années 90. La rythmique groovy et les paroles envoûtantes font que les chansons marchent bien. Les précurseurs se nomment Todd Edwards ou Masters At Work, des DJ américains qui vont faire rentrer le garage dans la cour des grands. Ils décident d’augmenter la vitesse de leurs chansons d’environ 130 bpm pour faciliter le beatmatching – la pratique qui consiste à étirer la longueur d’un morceau. Il était connu dans le milieu que les DJ préféraient les versions instrumentales car une voix augmentée ou ralentie sonnerait bizarre. Les premiers mix importés en Angleterre commençaient à s’incruster dans les soirées en cette fin de 20ème siècle. Pourquoi un nom si étrange ? 2-step garage, car il vient du garage, sous genre de la house, né à New York dans le Garage Paradise. 2-step car cela vient de la rythmique particulière des sons : les percussions ne suivent pas un rythme régulier 4/4, le kick drum ne frappe pas à chaque temps, ce qui donne une sensation plus syncopée ou « sautillante« . Cela crée une sensation de mouvement « en deux temps » : d’où le nom « 2-step ». Les puristes se battent encore pour définir la première chanson phare du 2-step garage. On peut citer le magnifique RIP Groove de Double 99 en 1997, qui influença durablement le genre à la fin des années 90. Décrit à l’époque comme la « passerelle » entre le UK Garage et le 2-step, RIP Groove fait encore partie, même 20 ans après, des sets d’électro britanniques actuels les plus populaires. 

Les soirées les plus branchées de Londres et de Southampton accueillaient de plus en plus ce son nouveau, à la rythmique plus poussée. Steeve Goodman, fondateur du label Hyperdub, et connu sous le nom de Kode9, parcourait avec intérêt ces soirées qui abandonnaient progressivement les débordements hardcore du Madchester pour ce son plus poli. Il parlait même de « continuum hardcore britannique », expression louée par les observateurs. Pendant ce temps, les premiers frémissements de succès éclorent en jolis succès dans les classements musicaux. Le remix de « Never Let You Go » de Tina Moore par Kelly G sorti en 1997 récolta un numéro 7 dans le UK Singles Charts. Cet innocent remix, sorti en réalité en 1995, avait été réédité en 1997 dans la version que l’on connaît. Le DJ américain Kelly G, originaire de Chicago, n’était même pas conscient d’avoir accouché d’une perle rare qui figure encore dans des compilations garage. Il est intéressant de lire l’interview qu’il donna à DJ Mag pour se rendre compte des retombées d’un tel remix. Les très reconnus Destiny de Dem 2 e My Desire d’Amira ont été cités comme les fondateurs des premiers succès à venir du 2-step. Mais il faudra bien trois années supplémentaires pour que le 2-step perce vraiment, et ô miracle, devenir un véritable bouleversement. Vers 1999, les soirées jungle ou drum’n’bass, qui avaient été à la mode, se voyaient remplacées par les soirées 2-step pour le côté policé de ce style musical. En effet, les propriétaire des boîtes voyaient de jolies femmes, les fameuses « Garage Girls », arriver à leurs soirées, gages de qualité mais aussi de sécurité. Les sombres histoires de bagarres avaient quelque peu entaché la réputation de certaines boîtes, et certaines ne s’en étaient pas remises. De puis la qualité de ces soirées faisait qu’elles étaient reconnues et populaires, d’où queue à l’entrée, du pain béni pour les organisateurs. Le Garage UK était aussi synonyme de grande créativité et de mode : imprimés Moschino, camaïeus de bruns, lèvres rondes ornées d’un fin trait noir, coiffures sophistiquées. Bien loin du cliché du danseur de techno aux cheveux orange et aux tenues en vinyl criard. Malgré ces envolées lyriques, le genre était pourtant relativement inconnu du grand public jusqu’en 1999. Elle sera définitivement l’année charnière pour le 2-step, avec l’apparition d’un homme providentiel : Craig David.

Une apogée brève et fulgurante

Fils d’une Anglaise et d’un Grenadien (Antillais), Craig David est ce rejeton de sang mêlé symbolique qui plaît à ce style musical jeune, mélangé et frais qu’est le 2-step garage. Après des débuts confidentiels dans des clubs de Southampton depuis 1997, le jeune Craig écume les petits cachets et les freestyles dans les radios locales. Bien déterminé à se faire connaître, David s’inscrit à un concours de chant, et enregistre sa première chanson « I’m Ready« . Cette ritournelle R’n’B sirupeuse ne fait pas date mais lui permet de gagner le concours et de se faire remarquer par un futur grand ponte du 2-step garage : Mark Hill. Ce quidam gallois, a déjà beaucoup d’expérience musicale lorsqu’il rencontre le jeune homme. On le connaît surtout car il est moitié du duo légendaire Artful Dodger. Impressionné par sa voix, il le fait chanter sur son dernier mix, « What Ya Gonna Do » mais surtout sur une démo de « Re-Rewind (The Crowd Say Bo Selecta)« . Pour ceux qui s’interrogent, Re-Rewind a bien failli ne jamais voir le jour. Au moment d’enregistrer la chanson sur ordinateur, le fichier se corrompt. Pour le sauver, il a fallu cliquer sur Ok d’un message d’erreur soigneusement pour ne pas perdre le tempo, selon David. D’où le titre de Re-Rewind, (rembobiner en anglais), rewind une première fois sur cassette, puis re-rewind sur l’enregistrement final. Vous suivez ? Quand à « Bo Selecta » c’est une expression jamaïcaine qui signifie « balance le son » que presque 99% des jeunes britanniques de l’époque ont du utiliser à tort et à travers. 

La chanson sort sur le label Relentless / Public Demand, et c’est l’explosion. Que dire, la déflagration même. Re-Rewind casse tous les records, classé n°2 à sa sortie, et restant près de 60 semaines dans le top 40 britannique. Il est certifié platine en mars 2000. La chanson s’exporte très bien à l’étranger, et se répand dans toute l’Europe pour devenir un classique. Autrefois inconnu, le 2 step-garage fait son entrée dans les foyers et la culture clubbing. Il devient l’hymne d’une génération. Bo Selecta est un slogan à la mode. Pour beaucoup, il y a clairement eu un avant et après Re-Rewind. La carrière de Craig David décolle et en 2000, sort Born To Do It (« né pour faire cela« ) produit par Artful Dodger. C’est un carton aussi bien au Royaume-Uni qu’à l’étranger, dont les Etats-Unis. 7,5 millions d’exemplaires dans le monde, sextuple disque de platine au Royaume-Uni. Craig David devient alors titre de chanteur de 2-step garage britannique le plus vendu de l’histoire. Le genre devient à la mode. La presse l’adoube, les chaînes de télévision musicale font tourner en boucle les clips à la télé, la radio passe les chansons dès le matin sur leurs ondes. C’est la consécration.

Les hits s’enchaînent entre 1999 et 2001, avec succès. L’année 1999 voit l’arrivée de plusieurs bangers du genre comme Do You Really Like This ? de DJ Pied Piper and the Masters of Ceremonies. Le duo Shanks & Bigfoot propose avec Sweet Like Chocolate, un 2-step garage sucré et doux fait pour réussir, le duo DJ Luck & MC Neat cartonne avec A Little Bit of Luck, Ain’ No Stoppin’Us et Masterblaster 2000, des perles du 2-step. L’an 2000 voit des tubes en puissance. Body Groove, des DJ Architects  avec Nana, Buggin’ de True Steppers et son flow imparable, la bombe Flowers du duo féminin Sweet Female Attitude, dont la rythmique marquante a été confiée à DJ Sunship, (Ceri Evans),  un classique du 2-step garage. On peut citer Girls Like Us du duo B-15 Project avec Crissy D, ou Gotta Get Thru This, de Daniel Bedingfield, mix parfait entre pop et garage, iconique par son refrain entêtant. On peut aussi compter sur Sticky ft. Ms. Dynamite avec son hit Boo!, une référence. La reprise « Time After Time » de Distant Soundz devient en 2002 la première chanson garage à être diffusée par la BBC Radio. 

Mais l’album de référence, la perle des perles, est sans nul doute It’s All About The Stragglers d’Artful Dodger, sorti en 2000. Quintessence du 2-step garage, Bible du genre pour certains, il est l’album qui cristallise le mieux les attentes et espoirs de ce style tant décrié. Les chansons à succès : Think About Me avec Michelle Escoffery, Re-Rewind qu’on ne présente plus, Please Don’t Turn Me On avec Conner Reeves, le très beau TwentyFourSeven en duo avec Melanie Blatt des All Saints, Movin’ Too Fast avec Romina Johnson, le splendide Woman Trouble avec Robbie Craig de Boyzone. Un véritable condensé ce qui a fait bouger l’Angleterre durant cette période courte d’euphorie et de sons dansants.

Mais qu’est-ce qui explique un tel succès ? Facteur politique, avec la seconde victoire du New Labour de Tony Blair et leur tolérance sur la culture électro de l’époque, en opposition à la violence punitive de Thatcher. Le 11 septembre et les émeutes raciles de Brixton et Bunley avaient marqué les esprits. Facteur purement « musical » : rythmique répétitive, tempo accéléré, chansons en général assez courtes et voix féminine sensuelles pleines d’émotions. Il n’est plus honteux d’inviter des chanteurs de pop pour faire connaître un groupe et s’assurer une place dans les charts. La fraîcheur de ses mélodies imparables et l’aspect émotionnel du R’n’B, moins froid de ce sous-sous-genre de l’électro (on le rappelle), font que l’impact sensoriel est plus poussé. A l’aube des années 2000, le matériel électronique coûtait moins cher et les machines grand public se sont banalisées. La production pouvait se faire avec un petit budget sur un vieil ordinateur sans problème. 

C’était aussi le reflet de la diversité et de l’énergie multiculturelle du Royaume-Uni à cette époque. L’Internet balbutiant et les chaînes musicales ont pu, à leur échelle, réussir à faire connaître davantage cette mode musicale resté longtemps secret. Cependant, à trop vouloir en faire, le 2-step garage n’était pas destiné à connaître une fin toute aussi rapide ?

Déclin et évolution logiques du genre

Lassitude, divergences, ventes faibles

Aussi étrange que cela puisse paraître, le 2 step garage primitif a connu une superbe mais courte existence. Ce qui est un peu le cliché des sous-genres musicaux il faut le dire. Son empreinte culturelle a fortement marqué les esprits à l’époque, à un moment où les réseaux sociaux et l’internet grand public n’étaient pas encore au point. Malgré ces faits d’arme, la lassitude du public s’était aussi pointée au fur et à mesure que les hits s’enfilaient comme de grosses perles sur un fil trop fragile. On ne comptait plus les remix garage de groupes issu de télé-crochet (Liberty X), ou de girls bands (Miss-Teeq), pour faire « djeun« . L’exploitation commerciale agressive du 2-step, mais aussi son rythme syncopé et son style (trop) facilement copiable ont cassé l’authenticité et la fraîcheur des premiers instants. Contrairement à ses parents électro et house, et ses cousins jungle et grime, le 2 step garage n’évoluait pas, il restait cantonné à une époque précise. Trop mécanique, pas assez évolutif, il était condamné à rester hermétique. Les histoires de vol de chansons ou de cachets dérobés à la sauvette existaient. En 2001, Hill et Devereux se sont séparés en raison de divergences créatives et la marque, le nom et les droits d’utilisation d’« Artful Dodger » ont été rachetés par Blessed Records. Après s’être réunis en 2017, Hill et Devereux se sont retrouvés dans l’impossibilité de sortir de nouveaux morceaux ou de se produire sous leur propre nom, les obligeant à s’appeler « Original Dodger ». Les lendemains de fêtes étaient douloureux après une réussite éclatante. Bon nombre d’artistes sortaient un méga hit puis un album dans la foulée, puis retombaient plus bas que terre après un second album. Flowers de Sweet Female Attitude allait rester un one hit wonder, malgré d’autres titres restés confidentiels. Craig David lui même en fera les frais avec Slicker Than Your Average, créé pour percer le marché américain, dont les ventes, quoique honorables, ne seront pas à la hauteur de Born To Do It.

Violences, l’épisode de So Solid Crew, revers de la médaille

En 2001, So Solid Crew, originaire de Battersea, un quartier populaire à fort brassage culturel, sort « 21 Seconds« , versant plus sombre du 2-step garage et gros succès à sa sortie. Le groupe cultivait une image plus noire, les paroles étaient crues et marquées par un tempo agressif, l’ambiance des clips sentait la street, le cuir profond et les bagarres. Un adolescent avait été battu à mort dans une discothèque de Luton après l’un de leurs concerts. Deux adolescentes, Letisha Shakespeare et Charlene Ellis avaient été abattus devant des clubbers traumatisés pris à part dans des tirs rivaux de gangs rivaux. Face aux troubles, l’impopulaire Form 696, avait restreint les soirées garage. Les membres du groupe n’était pas en reste. G-Man, fondateur du groupe, avait été retrouvé avec une arme. Carl Morgan a assassiné le nouveau partenaire de son ex-partenaire en 2004 et purge actuellement une peine de prison de 30 ans. Un autre membre, Skat D avait cassé la mâchoire d’une fille de 15 ans ayant refusé ses avances sexuelles. Asher D avait été emprisonné pour possession d’armes à feu. Il est depuis rentré dans le rang en tant qu’acteur reconnu sous le nom d’Ashley Walters, jouant dans des séries reconnues comme Top Boy, Doctor Who, ou Adolescence. Le groupe traîne encore aujourd’hui une mauvaise réputation. En 2017, ils sont rejetés du Lovebox Festival car un autre groupe ne voulait plus jouer avec eux. Mais le plus ennuyeux dans tout cela, c’était la difficulté pour des gens issus de minorités et de la pauvreté endémiques de certaines banlieues londoniennes d’émerger. Malgré leurs notoriété et leur contribution à la mutation sombre du 2-step garage, le collectif n’était pas devenu aussi riches qu’il ne l’avait espéré. Preuve qu’un genre aussi jeune que le 2-step n’empêchait pas les vieilles vicissitudes du capitalisme  avec le combo pression / vente de disque / promotion / concerts de s’implanter. Eux aussi connaîtront un second album catastrophique face à l’implosion du groupe et les carrières solos de certains membres comme Lisa Maffia. Toutefois, leur héritage et leur côté déviant allaient préfigurer une nouvelle ère pour le 2-step garage.

Evolution musicale, stagnation (2003-2007)

L’épisode de So Solid Crew n’a pas tant traumatisé les clubbers pour leur violence, mais aussi pour leur virage vers le sale. Tous ces succès trop rapides et la retombée brutale en avaient marqué plus d’un. Les sons chauds, groovy et dansants, laissèrent petit à petit place à des rythmiques plus ténébreuses, des paroles plus « dark », une ambiance lourde. Une recherche d’authenticité se faisait sentir. Le 2-step garage mua en grime. Une cohorte de jeunes artistes comme Horsepower Productions, Zed Bias, Wookie et Steve Gurley effacèrent le côté solaire du UK garage pour explorer des pistes plus expérimentales. « Battle » de Wookie, sorti en 2000, peut être considéré comme un précurseur de cette mutation. On peut également citer Eskimo de Wiley en 2000 comme hit informel du grime. Des artistes reconnus comme Dizzee Rascal ou Yungstar devinrent les fers de lance de cette mutation brute du 2-step garage. Finis les intérieurs lounges, les couleurs chamarrées et les paroles parlant de fêtes et de nanas. Face à l’embourgeoisement, aux fermetures des soirées garage, aux échauffourées, il ne restait plus que la révolte. Et le grime était parfait pour exprimer cette injustice. Les 140 BPM étaient la norme, la basse plus lourde et « glitchée », le rythme sec, anguleux, cassant. Une frange expérimentale émergea aussi en bordure. Citons Burial et son mythique album Untrue sorti en 2007, classique parmi les classiques, indéboulonnable volonté d’un garage expérimental. Il fut cité récemment comme un album fondamental dans le garage UK. Comble de l’ironie pour un opus créé sur un ordinateur mourant dans un anonymat plus qu’insultant ! Puis le grime laissa place à un tout nouveau style qui allait bouleverser le monde, le dubstep. Ses origines sont londoniennes, plus précisément dans la banlieue de Croydon. La soirée FWD>> au Plastic People et la radio pirate Rinse FM ont été cruciales pour diffuser le son dubstep à ses débuts. Comme un rappel de comment le 2 step garage était né. On ne cite plus les grands noms du dubstep e leurs hits : El-B & « Buck & Bury » sorti en 2000, Horsepower Productions avec Gorgon Sound en 2001, Skream et son hit Midnight Request Line sorti en 2005, Digital Mystikz avec « Haunted » et « Anti War Dub » en 2005, ou encore Benga & Coki avec Night en 2007. Malgré une relative stagnation, le 2-step connaissait une période expérimentale et de réinvention bienvenue.

Renaissance du 2-step garage

Après une période d’hibernation qui allait accoucher du dubstep et du grime, le 2-step garage allait peu à peu sortir de sa réserve. Dans les années 2010, une toute nouvelle génération biberonnée aux réseaux sociaux et à un Internet plus répandu, se prend d’amour pour le 2-step. Il faut dire que la nostalgie du Y2K était sans doute pour quelque chose. Les chansons d’antan, courtes, efficaces, sucrées pour échapper à un futur toujours problématiques firent des ravages sur TikTok. Surtout, de jeunes artistes, frais et pleins d’entrain, se servirent de cet héritage oublié. Les anciens firent son retour durant cette période. Wookie, MJ Cole, Zed Bias et Mark Hill proposèrent des productions plus axées de ce style musical qui les avait fait si bien connaître. Une nouvelle génération de hits, allaient faire éclore un nouvel intérêt : En 2011, le mystérieux collectif électro londonien SBTRKT (prononcez Subtract) sortit Wildfire en duo avec Little Dragon. Sa boucle hypnotique, sa rythmique caractéristique, s’inspirait largement du 2 step garage… On peut citer Take It Back de Toddla T en duo avec Aitch, sorti en 2011, Higher (Free) de All About She et Blk & Blu de Chase & Status tous deux sortis en 2013, Touch de Shift K3Y sorti en 2014. Ils réussirent à se faire une place dans les charts britanniques pourtant dominés par des stars de la pop aux VR et au marketing plus puissant que le leur. Mais ce qui relancera la machine c’est le méga hit La La La de Naughty Boy en duo avec Sam Smith, et une autre bombe à retardement appelé Latch du duo de frères DJ britanniques Disclosure. Cette ballade house lorgnant du côté du garage UK et ses sons syncopés, fut un choc pour beaucoup de nostalgiques et un succès monstre pour ses créateurs, à peine âgés de 18 ans au moment des faits. Mieux, ces nouvelles ballades eurent ce que leurs prédécesseurs n’avaient pas eu la chance d’avoir : un succès international, dont les Etats-Unis. Si Craig David avait été l’homme providentiel des années 2000, Disclosure fut sans nul doute le groupe, qui fut à l’origine de la résurgence du 2-step dans les années 2010. Leur disque Settle fut ce que For All About The Stragglers fut à l’époque :  la preuve que l’on peut marier recherche esthétique, grâce, sons pointus et succès commercial sans perdre son âme

Les années 2010 firent la part belle aux disques inspirés. BodyMusic d’AlunaGeorge, album de feu et de glace sorti du néant, fut un grand succès. Le sec et foudroyant In Color de Jamie XX permettait une lecture plus expérimentale du genre, à l’image de Burial. On vit même le retour des anciens avec Following My Intuition de Craig David, sortis des ténèbres du r’n’b bon marché dépassé, pour revenir aux racines. Succès surprise et même bonne exportation à l’étranger avec les très beaux When The Bassline Drops et One More Time. Ladbroke Grove de AJ Tracey en 2019 entra directement dans le Top 5 britannique. Les années 2020 voit l’arrivée de l’hyperpop portées par des artistes comme Charli XCX ou Arca. Ce genre trouva une belle opportunité à se mélanger à ce revival. Une tripotée de jeunes pousses fit son apparition dans cet environnement nouveau : Shygirl, jeune métisse grenadienne au r’n’b LGTBQi++, sexuel et attirant, Anne-Marie, ancienne choriste pour Rudimental, reconverti au garage joyeux et coloré, Mabel, fille de Neneh Cherry en personne, au style introspectif et hypnotique. Mais la reine du genre est sans nul doute PinkPantheress, nouvelle prêtresse de l’hyperpop mâtinée de sonorités 2-step âgée de 24 ans. Son EP de 2020 To Hell With It avec le hit Pain (comportant d’ailleurs un sample de Flowers !) est acclamé par la critique et chacun voit en elle le futur popstar pour ados. A juste titre : l’EP contient une volonté de réarranger cet héritage parfois lourd à porter et une furieuse envie d’aller plus loin sans perdre des pièces en route. Résultat : un 2-step garage assaini, débarrassé de ses apparats superflus, et une voix enchanteresse qui caresse l’auditeur. L’album heaven knows, grosse claque de 2023, fut porté par la méga tornade Boy’s A Liar Part.2, produit par Mura Masa (producteur d’A$ap Rocky, Shura, Charli XCX), en duo avec Ice Spice, qui cartonna sur TikTok. Cette chanson est la parfaite émulsion entre les attentes 2-step garage, le style Y2K et l’hyperpop.  Sa reprise par des millions d’utilisateurs, en fait d’ailleurs la chanson la plus jouée de 2023 sur la plateforme…  (1 milliards de streams tous confondus). Quelle aubaine et quelle revanche pour ce tout petit style musical de rien du tout, né dans la tourmente, explosant en plein vol pour ressusciter dans une nouvelle époque digitale. Une revanche sur le passé en somme. 

2-step garage is not dead

Même si le 2-step garage semble être revenu en force, certains anciens se montrent quelque peu circonspects à ce retour. Sunship, alias Ceri Evans, cité plus haut comme le créateur de Flowers de SWA et de Garage Girls de Lonyo, est un peu sceptique. Dans une interview donné au Guardian, Sunship ne trouve pas que le 2-step garage de 2019 ait la même qualité lo-fi qu’à l’époque.

Il y avait une étincelle dans l’air entre 1997 et 2002 qu’on ne pourra jamais recréer aujourd’hui. C’est aussi parce que la façon dont les gens font de la musique a changé ; tout est plus propre et plus clinique maintenant.

Sunship (Ceri Evans)

Malgré cet aveu de faiblesse, Sunship affirme que ce retour en force a su faire connaître à toute une génération ce genre si spécifique. Encore mieux, ce style musical couplé à un Internet toujours viral a su se propager bien plus rapidement que dans le passé. Si le 2-step garage souffre d’un côté hermétique, quelques artistes outre manche ont tenté timidement de mélanger ces rythmiques avec leur flow. Citons Aux Paradis de Damso, Peur de l’échec d’Orelsan ou encore 9 Milli de Kekra. Malgré le peu d’intérêt de la France pour ce retour en force, toujours cantonné à l’Angleterre, le 2-step garage a fini par convaincre. Les scènes électro de Berlin ou de Copenhague connaissent actuellement une nouvelle explosion garage. Lille Høg (Bjarke Pedersen) et Main Phase, producteurs danois, mélangent UK Garage, voire speed garage avec des rythmiques syncopées. Des artistes allemands comme Objekt ou Avalon Emerson explorent des sonorités dark garage / 2-step remixées dans des productions modernes. Les avanies du passé semblent avoir été pardonnées. Les violences issues de clubs sans sécurité et de gens un peu trop avinés existent toujours, mais pas au point d’entériner un genre (espérons-le). Les attentes du capitalisme sont toujours ce qu’elles sont, même si certains labels indépendants affichent une liberté artistique farouche et revendiquée, acquise de dure lutte. Les chanteuses 2-step souffraient de sexisme et d’autorité sur leur façon de se tenir, mais ont su créer une nouvelle forme de pop star féminine. Sweet Female Attitude montrait des vraies femmes aux courbes généreuses là ou la norme était de ne pas dépasser une taille 38… quand d’autres jouaient la carte du mélange culturel et d’une sexualité assumée jamais vulgaire, comme Lisa Maffia, Kele Le Roc, Shola Ama ou Romina Johnson. Les artistes d’aujourd’hui revendiquent leur orientation sexuelle et leur corps (Shygirl) et leur métissage (PinkPantheress) plus facilement qu’à l’époque.

Certes le 2-step garage subit toujours des ratés comme la soirée Garage Classical donnée en 2019 au Royal Albert Hall, qui a sonné comme un « karaoké peu inspiré » et sa progression dans d’autres pays se fait encore timide. Mais qu’importe. Sa mutation continue, inexorablement, comme animée d’une énergie folle. Discret, il s’est fait explosif, visuel, trop peut-être. Poli, il s’est fait élégant, touchant même au risque d’être trop sage. Mutant, il a abandonné ses racines soul pour se réinventer en poète maudit des froids extérieurs de banlieue anglaise. Timide, il s’est mué en star des charts, puis en star de TikTok en raison de sa structure courte et rythmée. Le 2-step garage n’est plus un genre figé. C’est aujourd’hui un langage rythmique, une texture culturelle, et un code émotionnel que les scènes club, pop et expérimentales réinventent à leur manière. Le 2-step garage est mort, vive le 2-step garage !

Les 10 meilleurs albums de 2024. Piquants, étonnants, prenants, splendides, bouillants, ils ont marqué cette année 2024. Sélection à vif.

10/ JPEGMAFIA – i lay down my life for you

Label : AWAL (Sony) | Genre : Hip-Rop / Rap

Pour introduire ces 10 meilleurs albums de 2024, il faut que j’avoue platement être passée à côté de la tornade alternative JPEGMafia. A tort. L’album est une petite pépite alternative dans une environnement rap encore trop policé. De son vrai nom Barrington DeVaughn Hendricks, le rappeur nous plonge dans un univers sombre et sale. Et se permet de rares pointes de musique métal dans ses grooves. On commence avec  l’apocalyptique i scream this in the mirror (…), puis on enchaîne des ambiances ténébreuses : l’énervé SIN MIEDO, le gospel prenant de I’ll Be Right There, l’excité et excitant it’s dark and hell i hot, le superbe duo avec Vince Staples New Black History, les tordus et grinçants don’t rely on other men & vulgar display of power… avec sincérité et rage, JPEGMAFIA fait étal d’une violence sourde et d’un sens du timing brutal et inclassable. Un grand album de rap contemporain qui mérite vraiment son succès.

9/ Mdou Moctar – Funeral For Justice

Label : Matador Records | Genre : Tichoumaren (blues touareg)

Il aura fallu deux albums pour Mdou Moctar pour asseoir définitivement sa place en tant que guitariste de génie dans un monde qui ne tourne plus rond. Le Malien d’origine touareg arrive subtilement à marier son important héritage venu du désert et des aspirations rock plus modernes. Changement de taille toutefois avec ce disque : il est plus rock et plus virulent que jamais. Et c’est tant mieux. L’entrée en matière Funeral For Justice, splendide, le rock swinguant d’Imouhar, plus de douceur avec Takoba, ballade sensuelle et erratique, puis on chavire. Eclats de voix dans Sousoume Tamacheq, Imajighen et ses guitares envoûtantes, Tchinta et ses riffs rocks libérateurs et profonds. Avec en filigrane, des textes puissants et désespérés sur l’héritage touareg du Sahel qui se perd, inexorablement. Mais même si Mdou Moctar n’est qu’une homme, il aura su faire perpétuer cet héritage avec un twist moderne sans rien renier de ses racines. D’une puissance inégalée.

8/ Sabrina Carpenter – Short n’Sweet

Label : Island Records | Genre : Pop

Impossible d’être passé à côté de la comète blonde aux yeux de chat siamois intitulée Sabrina Carpenter. La nouvelle coqueluche des ados succède à la piquante Miley Cyrus dans les hits de l’été avec son imparable Espresso. Certes, rien de bien neuf au niveau arrangement, mais les chansons sont inspirées, les paroles engagées et le charme de Sabrina Carpenter, fou, fou, fou. Le mignon Taste, le chamarré Please, Please, Please, le charmant Good Graces, les caressants Sharpest Tool et Coincidence, le placide et solaire Bed Chem et forcément la bombe des boums pour ado Espresso, efficace, chaud et désirable. Des paroles douceâtres et sensuelles, une ambiance féminine mais pas creuse, bref, un album parfait pour découvrir un versant plus intimiste de la pop actuelle. Et ça fonctionne. Même si on peut trouver l’ensemble classique, il y a tant de volonté et d’envie de plaire qu’il est difficile de ne pas aimer ce disque. Un peu de fraîcheur adolescente dans ces 10 meilleurs albums de 2024, c’est toujours bon à prendre.

7/ Amyl & The Sniffers – Cartoon Darkness

Label : Virgin | Genre : Rock

N’avez vous jamais rêvé de sale dans votre vie ? D’un peu de stupre et de guitare sèche ? Cartoon Darkness devrait répondre à vos attentes. D’une manière rentre-dedans, il faut dire. Car le mot subtilité n’a pas cours ici. Mais attention, musique soignée bien présente, chef. Le chaotique Jerkin’, coup de crosse à la figure, Chewing-Gum, énervé, électrique, Tiny Bikini aux riffs destructeurs, Big Dreams sublime à pleurer, la bombe atomique Mine, l’énergique Motorbike Song, le faussement calme Bailing on Me, surfant sur le grunge. Bref c’est une guerre mondiale de sons démoniaques qui ressuscite la glorieuse époque du rock furibard des années 70. Ajoutez à cela le charme de la blonde ravageuse Amy Taylor avec sa voix de sorcière, ces riffs désaturés et cette ambiance white trash, vous êtes conquis. Qu’on le veuille ou non, l’Australie est le second berceau du rock’n’roll. Compris les rageux ?

6/ Jamie XX – In Waves

Label :  Young | Genre : Electro

Jamie XX nous envoûte une fois de plus avec un disque aux accents 2-step et house avec son sens de la retenue coutumier. Treat Each Other Right, est d’une élégance folle, parfait, Waited All Night, se veut féminin et planant, Baddy on The Floor vous pousse sur la piste de danse, Dafodil vous fait chavirer par son r’n’b classe, Still in Summer vous transporte sous le soleil, Life vous subjugue, All Your Children vous hypnotise, Falling Together vous terrasse. Vous n’êtes plus en possession de vos moyens, les vagues de In Waves vous ont englouti. Notons que sous le vernis électro, se cache des souvenirs de l’époque The XX avec Breather ou Wanna. Innover c’est bien, mais ne pas oublier d’où l’on vient (ici la musique alternative), c’est encore mieux. Jamie XX arrive à marier son amour de la mélodie parfaite, ses aspirations pop indie et son obsession de la house britannique. C’est un sacré pas en avant.

5/ Tyler, The Creator – CHROMAKOPIA

Label : Columbia Records | Genre : Rap / Hip-hop / Funk

Fini pour un temps les délires surréalistes et colorés pour Tyler The Creator, qu’on ne présente plus. Le rappeur prodige fait honneur à ses racines africaines et aux sources de la musique blues. Une pépite, astre solaire des ces albums de 2024. Un choix risqué mais salvateur pour CHROMAKOPIA, dépeint comme un film d’auteur en noir et blanc classieux. Tyler n’oublie pas son amour du gospel et des envolées lyriques. L’entrée en matière d’une beauté certaine St Chroma, Rah Tah Tah et son flow imparable, le massif et imparable Noid, la ballade magnifique Darling, I en duo avec Teezo Touchdown, le foudroyant Hey Jane, l’éclatant I Killed You, le blues fantomatique de Judge Judy, un retour au rap sale Lil Wayne sur Grudge… Bref, Tyler the Creator est toujours à où on ne l’attend pas. Ce retour aux sources salvateur a permis d’accoucher d’un autre chef-d’oeuvre. Et de connecter l’artiste à l’essence même de la musique noire. Le tout en restant toujours outsider et furieusement moderne. Inoubliable.

4/ A.G. Cook – Britpop

Label : PC Music | Genre : Electro

La première écoute fut étonnante, la seconde m’obséda comme jamais. Le pape de l’hyperpop légendaire producteur de Charli XCX et du gratin de la pop du futur est revenu. Et son legs est considérable. Britpop est un monstre fat lourd de 3 disques – hérésie en cette époque pleine d’albums de 20 min calibrés pour TikTok. Mais qui étrangement, est loin d’être pesant dans sa musique. Virevoltante, recherchée, piquante même, la mélodie de Britpop est travaillée, addictive. Premier disque versé électro, où tout est vivant : le single Britpop dansant et optimiste, l’étrange You Know Me, le cartoon Prismatic. Puis second disque plus axé pop à la Radiohead, avec une belle Serenade de circonstance, le beau Nice To Meet You, l’incroyable The Weave. Et enfin troisième disque plus virulent : Soulbreaker tonitruant, Lucifer faussement tranquille. A.G. Cook est le nouveau boss du game c’est sûr. Et nous le prouve avec un pavé de musique nouvelle génération à ne pas manquer. 

3/ Magdalena Bay – Imaginal Disk

Label : Mom + Pop Music | Genre : Pop / Synthpop / Electro

Un second disque et tout a basculé. Magdalena Bay est devenu un groupe incontournable, inoubliable et d’une profonde beauté. Vous pensez que j’extrapole? Imaginal Disk est un disque sorti du néant, presque aérien, irréel par ses compositions soignées et volatiles. Je vous le promets sans détour, vous n’aurez jamais entendu rien de pareil. En quête de sens, l’album dévoile ses secrets : She Looked Like Me et ses errements vocaux sublimes, Killing Time et son timing doux et exquis, l’interlude céleste True Blue, le magnifique et déroutant Image, le théâtral Death & Romance, le japonisant Fear, Sex, le douceâtre Watching T.V., le coup dans la figure de That’s My Floor... Bref un voyage sidérant en eaux troubles, perturbant et prenant comme un rêve un peu étrange. La voix enfantine et caressante de Mica Tenenbaum nous transporte très loin. Si vous cherchiez un disque pouvant vous aider à aller au fond de vous même en remettant vos vieux fonds d’écran Windows, c’est le disque qu’il vous faut. Un pur album de vibe, essentiel pour clarifier le côté sombre de ces 10 meilleurs albums de 2024…

2/ Justice – Hyperdrama

Label : GENESIS | Genre : Electro

Pour des raisons que j’ignore, certains albums déchaînent les passions, et Hyperdrama ne fait pas exception. Pourquoi tant de haine? Certains se plaignent d’un statu quo ? D’un manque d’inventivité? Quand d’autre crient au génie? L’un des meilleurs albums de 2024, c’est sûr. Hélas pour les autres, je fais partie de la seconde catégorie. Le disque est un pur régal. Un pur produit du duo français qui a réussi l’exploit de mélanger sonorités métal avec l’électro la plus dure. Les magnifiques et déchirants Neverender & One Night/All Night en duo avec Tame Impala, le violent Generator, le sombre Dear Alan, le beau Afterimage avec l’Allemande RIMON, le disco céleste de Incognito, l’astre Mannequin Love, l’étrange Moonlight… Bref c’est un voyage en apesanteur, plus funk que les disques précédents qui en déroutera plus d’un. Mais qu’importe ? La Nature est pleine de surprises…

1/ Charli XCX – BRAT

Label : Atlantic | Genre : Hyperpop / Electro / Dance

Pour conclure les 10 meilleurs albums de 2024, l’éclair de feu. Les ténèbres vous engloutissent, au terme d’une journée harassante. Et une lumière néon vert criard vous aveugle. BRAT, l’album qu’on n’attendait plus, est venu à la vie. Et c’est un monstre de modernité. Même si le BRAT Summer n’arrive pas à la cheville du Barbie Summer, l’album a su marquer les esprits avec son habile mélange de pop peste, de paroles tranchantes comme des rasoirs et d’un sens de la mélodie imparable. Le mégahit 360°, la bombe électroclash Club Classics, le coupant Sympathy For The Knife, le déchirant I might say something stupid, le swinguant Talk Talk, l’autre bombe Von Dutch, le furibard Rewind, la techno placide d’Apple, le classieux B2b, bref y’a-t-il une seule chanson foirée dans ce disque tout vert ? Non ! Un carton du nouveau millénaire en note chlorophylle je dis. Un album qu’on n’oubliera pas de sitôt et qui mérite amplement le raz-de-marée qu’il a suscité. God Bless the Brat Girls !

Mention spéciale des 10 meilleurs albums de 2024

Kim Petras – Slut Pop Miami

Label : Amigo / Atlantic | Genre : Dance / Electro / Pop

Jeune fille naïve en quête d’amour sincère, abandonne tout espoir en écoutant ce disque. On est plus proche de Fred Coppula que de Paul Verhoven. Exit la séduction et bonjour à l’orgie du Cap d’Agde ! Slut Pop Miami parle cul et parties fines sans peur et sans reproche. C’est pas très fin et pas très distingué, mais c’est furieusement addictif, et il faut le dire, ça fonctionne. Le très sexe Gag On It parlant de « morsure » (on vous laisse deviner où), Fuck’ This Fuckin’ That, pas plus élégant, Banana Boat et son obsession des longues choses (on vous laisse deviner quoi), le très explicite Get Fucked, le dansant Rim Job, l’ode aux sucettes Head Head Honcho, Tout est incroyablement excessif. Bref, ça ne respire pas l’élégance, mais les beats et la production sont soignés, à défaut d’être originaux. Les paroles trop osées pour être vraies, l’ambiance film porno et l’esthétique Fast & Furious rendent le tout assez drôle en fin de compte. Kim Petras se moque d’elle-même et n’a pas peur du ridicule. 

The Dark Side of The Moon Redux, une tentative ratée. Une oeuvre opportuniste visant à panser les plaies d’un égo malade. Une belle pelletée de bonnes idées gâchées.

On aurait pu s’attendre à un coup de maître de la part du légendaire Roger Waters, qu’on ne présente plus. Membre fondateur de Pink Floyd, auteur de la magnifique « Money ». Jetez moi The Wall en l’air, Money est la meilleure chanson de Pink Floyd. Arrangeur de génie, musicien avant-gardiste, bref, les superlatifs manquent pour décrire Roger Waters. On vous fait croire sur ce disque qu’une version plus calme et plus acoustique aurait pu vous faire transporter. Mais la vérité n’est pas celle-ci. On peut même parler de ratage monumental. Avec « The Dark Side of The Moon Redux », on se retrouve à devoir composer avec un squelette dépouillé de toute richesse. Si la refonte peut apporter du sang neuf, force est de constater que cela devient assez bavard dans ce cas de figure. Dans cette histoire, il n’est pas question que de musique mais aussi de composer avec l’égo surdimensionné d’un artiste : Roger Waters himself. Membre fondateur de Pink Floyd, il est de notoriété publique qu’il n’a aucune sympathie pour ses anciens membres et qu’il tient à loisir des propos controversés. Désireux de réécrire proposer une autre histoire à un album précurseur, il ne fait que mettre les pieds dans le plat. Ce qui aurait pu être une relecture intéressante d’un grand disque n’est qu’une tentative ratée de sauver les meubles. Derrière un ratage, se cache aussi une guerre d’égos, le sacro-saint argent et la crédibilité artistique.

La refonte, cheval de Troie artistique?

L’histoire de la musique, longue comme le bras, regorge de drames et de scandales dues à des refontes un peu trop poussées, de disques légendaires. Parmi ces exemples, on peut citer le « Let It Be… » des Beatles, en version « naked » (nue) dépouillée des orchestres lourdingues de Phil Spector que John Lennon détestait. Ou encore les réenregistrements des disques de Metallica en 1999 qui causa une césure au sein du groupe et l’incompréhension des fans. On peut citer aussi la célèbre chanson « Stairway To Heaven » de Led Zeppelin, que le groupe Spirit reprit en version instrumentale, « Taurus« , pour bien expliquer à tous que la partie guitare avait été écrite par leurs soins, puis volée… Une horrible histoire, célébrée par une grosse bataille juridique commencée en 1971, et qui s’acheva… en 2020. D’autres cas sont a noter, plus originaux. Comme la ressortie de presque tous les albums de Taylor Swift en « Taylor’s Version » par exemple. Ces albums sont ressortis pour contrer les exactions dégoûtantes d’une crapule appelée Scooter Braun. Homme d’affaires proche de Kanye West, il rachète alors le label Big Machine Records et le revend à un fond d’investissement, ce qui dépossède Taylor Swift de racheter ses droits justement. Les « Taylor’s Version » s’avèrent être intéressants dans leur réécriture et incluent même des nouveautés bienvenues pour les « Swifties » du monde entier. Un cas positif de refonte, couplée à une volonté de se réapproprier son travail tout en satisfaisant les fans du bien fondé de la pratique. Jusqu’ici tout va bien.

Mais la refonte est un peu l’équivalent de la guerre de Sécession, avec une opposition Nord / Sud qui fait encore rage aujourd’hui. Mis à part le contexte de Taylor Swift que je considère comme positif, l’histoire ne nous a pas offert de belles opportunités de refonte. Comme les exemples cités plus haut, la refonte était vue par certains puristes comme 1/ une belle opportunité pour se faire de l’argent, 2/ essayer de gommer les « bobos » pour rajouter des trucs un peu inutiles par devant. Dans le fond, ils n’ont pas tort. The Guardian se feint d’un article équivoque sorti en 2018 « qu’est ce qui prend les artistes de remodeler leurs albums? ». L’article souligne avec justesse la mode des anciennes gloires de « dupliquer » leurs succès d’antan à la sauce moderne pour coller plus à l’époque. Kate Bush publia « Director’s Cut » en 2011, ensemble de maquettes issues de The Sensual World ou The Red Shoes, avec des arrangements plus en accord avec son goût actuel. Scandale dans le milieu de la pop ou tout est plus ou moins figé. A l’ère du streaming pourtant, et son besoin de toujours étoffer un catalogue toujours plus conséquent, la refonte apparaît comme un sanctuaire. De nouvelles chansons, de nouveaux horizons et de nouveaux auditeurs. Mais à quel prix?

Aussi étrange que cela puisse paraître, ce genre de pratique existe depuis longtemps dans le métal. Il n’est pas rare que des débutants enregistrent avec les moyens du bord leur musique, puis, le succès aidant, réenregistrent le tout avec plus de moyens. Avec plus de puissance, plus de force qu’auparavant. Mais on peut rarement citer de bonnes surprises. En 2014, le groupe américain de trash métal Flotsam & Jetsam ont revisité leur album No Place for Disgrace. Problème, métal ou non, le résultat n’a pas été à la hauteur des fans. L’Encyclopaedia Metallum s’est feint d’une explication ironique en forme de « fuite artistique ». On peut citer aussi l’envie de refaire revivre ses classiques à la nouvelle génération. Des groupes comme Def Leppard, Electric Light Orchestra ou encore Squeeze ont balayé leur catalogue et réenregistré leurs classiques aussi proches que les originaux. Même si une telle décision fait hausser les sourcils, on peut saluer la nécessité de captiver un autre public.

Mais bien entendu, les piécettes sonnantes et trébuchantes sont aussi une bonne excuse de refaire un album. Dans le temps jadis, les maisons de disque étaient toutes puissantes, disposant des droits à long terme des enregistrements de leurs protégés. En 1993, le groupe Suicidal Tendencies avait refait une seconde version de leur premier album car pas assez soutenu par leur major, Frontier Records. Squeeze, parlons d’eux encore, invitent même les pubards et agences de com qu’ils étaient « ouverts » aux opportunités commerciales pour gagner des droits décents sur leurs chansons. Pour sûr. Mais cela permet de grandes dérives, comme avec Ozzy Osbourne. En 2002, les rééditions de Blizzard of Ozz et Diary of a Madman furent réenregistrés… sans la participation de Bob Daisley et Lee Kerslake. Pourquoi ? L’argent, encore, les deux lascars ayant fait équipe pour poursuivre en justice leurs bosss pour royalties non payées. En réponse, on gomma leur présence dans la réédition des albums. Pour se dédouaner, Sharon Osbourne, compagne d’Ozzy, affirmait que le caractère de Kerslake et Daisley était abusif et injuste. Le scandale fut retentissant et l’issue, malheureuse pour les deux partis. Kerslake et Daisley perdirent leur procès sans dédommagement, Sharon et Ozzy furent lourdement critiqués pour leur vindicte, et les éditions ultérieures furent reprises à l’identique. Un coup de glaive dans l’eau et beaucoup de bruit pour rien donc. 

Avec ces affreuses histoires, on peut comprendre que la refonte essuie beaucoup de revers. Arracher aux maisons de disque la liberté artistique, reprendre le contrôle de son travail, et gagner de l’argent dessus, les intentions sont louables. Les exécutions un peu moins. Hélas pour nous, The Dark Side of The Moon Redux boxe dans une autre catégorie. L’album se paie le luxe d’y ajouter ce que je déteste le plus dans la musique en général : l’égo.

The Dark Side of The Moon Redux : crise d’égo

Qu’on soit bien clair. Les personnalités problématiques sont aussi légion dans le domaine de la musique. Sur CERTAINS cas (j’insiste lourdement là dessus), il peut y avoir une séparation possible entre l’artiste et son travail. Mais il faut avouer qu’à partir d’un certain stade, c’est pratiquement impossible. Waters n’est pas un enfant de choeur, et il le sait très bien. Le documentaire édifiant de « The Dark Side of Roger Waters » produit par la BBC en est un bon exemple. Dépeint comme un antisémite, du genre lourdingue dangereux, Waters n’a décidément pas le beau rôle et les témoignages sont édifiants. J’en arrive au point problématique de cette critique : son égo. Car celui de Waters pourrait être un château en or style Neuschwanstein niché sur une colline en or massif. Que l’on soit bien d’accord sur ce nouveau point, être le leader ou tête pensante d’un des groupes les plus influents de la musique ne vous donne pas le droit d’être lavé de tout soupçon. Voilà c’est dit, les commentaires sont là pour vous écharper. C’est au mieux, marrant comme une blague d’un enfant de 5 ans, au pire horripilant et franchement ennuyeux comme pas permis. The Dark Side of The Moon Redux est une tentative ratée de réécrire un album qui n’avait franchement pas besoin de l’être. Pink Floyd s’était séparé à raison de cet individu problématique en raison de son égo surdimensionné. Oser dire que ses coéquipiers n’avaient jamais réussi à écrire un seul hit est énorme comme un cratère lunaire. Et énervant. Des tas de preuves historiques (avérées), prouvent que The Dark Side of The Moon est une oeuvre collective, écrite à plusieurs, une synergie de groupe quoi, qui a été un grand moment dans l’histoire de la musique. Tout le monde est au courant depuis la naissance de la Terre que Waters a peu influé sur les compositions et les arrangements, même si 99% des paroles de l’album sont de lui. Et pour Waters, au fond, cette idée que ce n’est pas que lui qui a fait tout ça doit l’ébranler. Mais je vais le dire honnêtement : on s’en fout. Voir ci dessous la vidéo de The Needle Drop, assez grinçante, sur le melon énorme de monsieur Waters.

Oui on s’en fout. The Dark Side of The Moon appartient à l’Univers maintenant, que cela lui plaise ou non. Mais Waters lui ne l’entend pas de cette oreille et préfère refaire tout à sa sauce. Si je devais faire l’impasse sur le fait que je n’aime pas, au fond, la refonte, j’aurai pu dire pourquoi pas. Mais ce n’est pas le cas ici. Car on commence mal cette histoire avec l’égo qui envahit un album qui n’avait rien demandé. Autre chose : l’album n’est pas incroyable. Pire même, c’est assez nul. Hein? Comment? Mais Roger Waters? Ah ? Parce que s’appeler Roger Waters vous donne le sacro-saint pouvoir de ne pas faire de la merde? Oh ‘scusez j’étais pas au courant alors! Prenons donc le problème à bras le corps et osons dire la vérité : cet album est nul. C’est bien rentré maintenant? Alors pourquoi est-il si nul? Déjà la volonté de tout refaire est assez discutable, comme pour dire que l’on est un Dieu vivant capable de vie et de mort. Certes, égo d’artiste à la con alors. Maintenant le côté musical. Et bien… un micro, une voix distendue, quelques arrangements vaporeux et hop, vous avez plié en 1h25 tout l’album. Avec moins de temps prévu pour verser une larme sur le remix inutile de « Money« .

« Speak to Me« , un monologue vitreux comme intro, une vague guitare inspirée dans « Breathe« , « On The Run » un discours ennuyeux comme pas possible, « Time » un poil plus inspiré. La torture continue encore avec « Great Gig In The Sky » avec parlotte et peu d’inspiration en vue, et l’horrible revisite de « Money » en guise de cerise sur le gâteau. Je continue? Non, plus d’envie, sauf de hurler bien sûr. Bien entendu, la guitare de pro est toujours là, les arrangements fonctionnement (pour peu qu’ils y en a), la voix suave et grave de Waters en impose (parfois oui, parfois pas du tout). Mais il faut se rendre à l’évidence : ce n’est pas suffisant. Du tout même. On oscille entre le travail d’étudiant et la prose minimale d’un agrégé de musique. C’est la cathédrale de Séville sans les fondations, le canal de Suez sans le canal. Mais ce n’est pas ça le pire. Le pire de tout, c’est de se dire que l’album ne méritait pas une telle refonte. Je m’explique. The Dark Side of The Moon était un condensé réaliste et foudroyant sur le monde moderne et ses névroses (l’argent, la vieillesse, le boulot, la routine humaine), c’était fort et c’était beau. Ici, on a une pâle copie. Une sorte de délire parano sur une star sur le déclin, dénuée d’inventivité et de force. Et qui se contente d’ôter la viande du poulet pour en exhiber la carcasse molle et triste. Voilà tout l’héritage de The Dark Side of The Moon, résumée en 48 minutes vite pliées, qui dégoûtera le fan le plus hardcore à mon sens.

The Dark Side Of The Moon Redux : conclusion

Le vrai problème que tout le monde ignore

J’aurai pu, à certains égards, avoir un semblant de compassion pour ce genre de test artistique. Passé un certain stade, il faut arrêter de prendre les gens pour des idiots. Ce genre de disque fait partie de ces tentatives pour ruiner l’amour propre des fans de Pink Floyd. Une refonte dans un tel contexte aurait été une opportunité pour faire découvrir à la jeune génération le groupe. Encore fallait-il y ajouter un supplément d’âme. Mais Waters dans sa mansuétude avait-il pensé que seul son nom et son talent allaient suffire pour publier une galette convaincante? Ce n’est pas le cas. Du tout même. Quel est le problème ? Déjà, l’idée de refonte en elle-même comme expliquée plus haut. Une refonte implique de « refaire » une musique déjà réalisée pour que cela colle mieux aux attentes du maintenant. On peut donc dire que de ce côté là, c’est mort. TDSOTM Redux est ennuyeux à mourir, maigrichon, sans chanson notable, donc une pâle copie de l’original. Lire un discours peu inspiré sur la fin du monde ou l’argent d’une voix monocorde ne suffit pas à donner de la vie a TDSOTMR. Désolée, Waters. On ne reviendra pas sur ce viol auditif (je suis en forme aujourd’hui décidément!) de « Money« , qui est une insulte à ce qu’était la chanson en son temps. A savoir la meilleure chanson de Pink Floyd (débat clos!!), une vraie critique sur un monde moderne versé dans le capitalisme, l’égoïsme de la société et tout ça. Plus rien de tout ça dans cette version. Trop de minimalisme tue le minimalisme. Et le minimalisme ne pardonne pas la médiocrité.

Quand l’ego détruit une oeuvre artistique d’envergure

Il reste la problématique de l’égo, et là tout s’effondre. Waters, au culot effroyable, s’accapare toute l’oeuvre de Pink Floyd sans se soucier ce que peuvent penser les fans. Un point fâcheux qui ne passe pas. J’aime toujours Alex James de Blur mais je n’oublie pas qu’il a mordu le cul de Miki Benrenyi, chanteuse de Lush. J’aime beaucoup Damon Albarn, mais je n’oublie pas qu’il affirme sans peur que Taylor Swift n’écrit pas ses chansons (au secours). Doit on excuser de tels comportement je vous le demande ? Non. Être le leader d’un groupe important ne vous donne pas l’excuse d’être parfait. Ce qui aurait pu être un détail empoisonne tout le disque sans qu’il ait rien demandé… triste. Surtout que Waters se montre volontiers excessif au point d’être parfois viré de ses propres concerts : Francfort a failli le faire passer à la trappe pour propos antisémites. Non seulement Waters ne vous respecte pas, mais il ne se respecte pas lui-même. A ce stade là, tout espoir semble perdu.

Forcément, difficile de ne pas parler d’argent dans cette équation. Pour quelqu’un qui se dit anti-système et diffuse volontiers des messages de liberté quand on aime autant l’argent, c’est fort de café. N’oublions pas que Waters est connu pour ses tournées solo très lucratives : celle de The Wall lui a rapporté 459 millions de dollars… presque autant que celle de The Dark Side Of The Moon justement. Doit on préciser qu’il a sorti l’album en plein 50 ans de TDSOFTM en plus ? Un classement de 2012 le faisait figurer parmi les chanteurs les mieux payés juste derrière Dr Dre! Et ne parlons certainement pas de fraude fiscale car Monsieur Waters a tout hébergé dans des paradis fiscaux en compagnie d’une certaine… Shakira. Aurait-il la mémoire courte? Si même l’argent aurait pu le motiver? Qu’est ce qui motive une telle sortie d’album dans ce cas? Trop de contradictions tuent les bonnes intentions. Et les contradictions ne pardonnent pas la loyauté et une certaine éthique de travail. Même quand on s’appelle Roger Waters

On peut l’avouer facilement : The Dark Side Of The Moon Redux pose un problème éthique, plus que musical au fond. Car aucune loi sur Terre n’interdit un artiste à refaire toute les refontes de l’univers. Ni à revisiter de façon discutable un catalogue déjà bien fourni de sa part. Un artiste plus jeune que Roger Waters ou avec moins de bouteille aurait pu se fourvoyer à faire une revisite façon débutant, que j’aurai presque trouvé ça drôle. Mais dans ce cas, c’est pratiquement impardonnable. Waters n’arrive même pas à pousser la chansonnette en se persuadant peut être que de faire du slam pourrait sauver les meubles. Ses arrangements, splendides au demeurant (quand même), n’ont pas la force adéquate pour soutenir un tel édifice. L’ambiance qui se veut réfléchie et profonde, est morbide et désespérante. La sobriété vantée comme argument marketing infaillible, a tué toute folie dans le processus. Oui vous l’aurez compris, ces dernières phrases ne sont pas très positives. Toutefois, comme cité plus haut, des éléments positifs sont à retenir de toute cette affreuse histoire.

Déjà, gros ou petit, magnifique ou problématique, un égo ne devrait certainement pas tuer une intention artistique. Autre chose, on ne devrait pas tout accepter pour l’argent et une gloire qui n’existent que dans des fantasmes. Encore, il est important, parfois (très souvent), laisser les choses telles qu’elles sont. Si je ne critique pas plus durement Taylor Swift sur sa ressortie de ses albums, c’est parce qu’il y a un désir de se réapproprier un travail qui a été volé. Il y a une vraie raison, surtout que Swift, généreuse avec ses fans, rajoute des inédits et fait passer la pilule un peu plus facilement. Ici, rien du tout. Waters nous balance une fin de repas où tout a été prémâché, régurgité et jeté sur les débris de la table. Plutôt désolant de la part d’un grand nom de la musique. Et tout ça pour quoi au fond? Pour réécrire l’histoire de la Musique avec un grand M. Qui profère des insultes antisémites et déteste Bono. Comme message pour la jeune génération, ça n’arrange pas les choses. Et que dire de la place de l’argent, qui semble avoir tout phagocyté et pollué tout un album pourtant anti-système (??). Les piécettes sonnantes et trébuchantes ont eu raison de ce qui restait d’intégrité visiblement. Pour une fois, les critiques n’ont pas été dupes. « Ennuyeux », « problématique », ou encore « capitalisant » sont les mots qui reviennent souvent. A raison. 

La conclusion est logiquement amère et déceptive. Pourtant, TDSOTM Redux est un cas d’école de ce qui ne faut pas faire quand on est au sommet de la montagne. Vous voyez les enfants, il y a toujours pire que Kanye West. Et au moins lui il fait de la meilleure musique, plus profonde et plus sensible (parfois). Revisiter un grand disque qui n’avaient franchement pas besoin de ça, c’est inutile. Surtout quand cela est exécuté de façon aussi monacale. Les enfants, soyez francs avec vous-même. N’essayez pas de tout réécrire à votre sauce comme un chien qui pisse sur un buisson. Ne faites pas tout pour l’argent. Ne faites pas votre boomer et essayez de voir au dela de que vous voyez même si c’est plutôt difficile. 

L’hyperpop est devenu en quelques temps un genre musical dans le vent. Mais jamais tranquille. On le dit fou, gonflé, tordu, excessif mais aussi inécoutable, forcé et vain. Par ses contraires, il est devenu incontournable.

Il faut voir certains genres musicaux à appréhender comme on plongerait dans une piscine. On trempe un pied puis l’autre, on s’immisce en grimaçant dans la flotte sans trop toucher à la poitrine. On grelotte puis on plonge, on hurle de douleur face à la froideur de l’eau et on se sent incroyablement libéré. Puis on s’ennuie ferme et on se surprend à nager dans l’eau, seule chose à faire lorsqu’on est dans une piscine (à moins que d’autres idées plus « adultes » vous assaillent). Et bis repetita. L’hyperpop n’y échappe pas. Et autant être franche, la baignade fut loin d’être tranquille. Une eau fluorescente, assaillie de vaguelettes rose fluo et d’électricité où nagent des créatures inaccessibles avec des refrains catchy et une électro tordue et parfois inaudible. Un eau étrange mais lumineuse. Une sensation étrange m’envahit. J’ai envie d’en savoir plus. Je m’y perds et j’ai la tête qui tourne. Je découvre de nouveaux noms, de nouvelles sensations, une impression de nouveauté qui ne m’était pas arrivée de puis longtemps. Puis l’euphorie redescend brusquement, avec l’impression d’avoir été grugée. Est ce que le rêve était trop beau pour être vrai? Ces faisceaux lumineux, ces paroles bubble-gum n’étaient que de la poudre aux yeux? Voilà ce que je pourrais penser, à chaud, de l’hyperpop. D’autant que certains prédisent sa fin future. C’est dans cette atmosphère bizarre que je décide vous livrer ce que je pense de ce genre devenu en quelques temps incontournable. Un genre culotté mélangeant sans peur des paroles de pop star pour ados avec l’électro la plus cassante. Le tout dans une ambiance de fête foraine sous acide. Trustant sans peur les premières places des charts, l’hyperpop, est devenu un « hyper » genre à la mode. 

Mais comme toutes les modes, ce genre pourrait-il durer dans le temps ? 

Hypernaissance d’un hyper genre

On affirme que l’hyperpop naît au Royaume-Uni, au milieu des années 2010, dans le monde cybernétique : Internet. Et plus précisément Soundcloud. Ce site suédois d’enregistrements musicaux est connu pour avoir abrité de nombreux débutants devenus pointures de la musique moderne. Entre autres, Lil Pump, $uicideboy$, ou Playboy Carti. Mais le terme « hyperpop » existait déjà en 1988, inventé par l’écrivain Don Shewey pour décrire la musique du légendaire groupe Cocteau Twins. Ses prémices se situent alors au début des années 2000, alors que l’internet grand public explose et le mélange des genres aussi. Certains affirment qu’il s’agit d’une version exagérée et plus pop de la new-rave et des Fluokids. Pour ceux qui étaient fans des Klaxons, CSS ou de  New Young Pony Club, cela doit vous dire quelque chose. Ce genre déjà condamné à une mort certaine s’était distingué par son exubérance, son électro agressive mâtinée de pop, ses couleurs fluo bariolées (d’où le terme de fluokid). La balance entre des beats doux et lourds sont depuis la base de l’hyperpop,  avec des refrains à peine chantés et beaucoup d’énergie. Rien n’est vraiment naturel dans l’hyperpop, des voix vocodées et modifiées à l’extrême, aux effets sonores semblables aux sonneries de téléphone ou de jeux vidéos, avec un effet de glitch. La pop y est exagérée, grossie à l’extrême comme une caricature d’elle-même noyée dans un bassin de dance années 90 très cliché. 

L’album fondateur de ce qu’est devenu l’hyperpop est sans contexte Pop 2 de Charli XCX. Elle est d’ailleurs régulièrement appelée « Reine de l’Hyperpop » pour avoir confirmé les bases de ce qui a été cité plus haut. Derrière tous ces succès, un seul homme : A.G.Cook. Ancien musicien punk, il décide de faire un virage à 360° pour s’illustrer dans ce genre naissant, jusqu’à en devenir offieusement le « parrain ». Fraîchement sorti de la Goldsmith College de Londres, école de renom avec Damian Hirst et Graham Coxon de Blur comme élèves, Cook travaille comme directeur artistique pour PC Music, label désigné berceau de l’hyperpop. Mais le vrai berceau de l’hyperpop c’est bien entendu Internet. Tout ce nouveau monde virtuel, où chacun peut se rencontrer et faire évoluer ses projets, partager des goûts communs, allait forcément faire émerger quelque chose de créatif. D’où son explosion. Il faut souligner que ces prémices se sont déroulées à un moment où les réseaux sociaux étaient encore balbutiants et la notion de buzz, encore très fragile. Durant une interview pour Dazed en décembre 2023, Cook était clair sur ces débuts en ligne :

C’était très encouragé d’être un mystère d’Internet, puis de personnes qui connectent les points et interagissent vraiment d’une certaine manière. Alors que maintenant ces choses existent toujours, mais elles ne sont pas plates-formes de la même manière, parce que tout le monde doit être son propre île de TikTok. Tout cela est un peu plus direct, drôle.

A.G.Cook sur la naissance de l’hyperpop

Certains artistes créent alors sans le vouloir le début d’une grande mutation pop. On peut citer FKA Twigs et son r’n’b organique, SZA et son flow martien, Janelle Monae qui lie passé et présent avec brio. Ces artistes revendiquent même une homosexualité flamboyante et visible, à rebours de l’image trop lissée de la pop pour ados. Encore une preuve de mutation non seulement musicale, mais sociale, politique même. Et curieusement, personne ne s’en émeut. L’époque a changé, les refrains aussi. La pop ne peut plus se permettre de chanter les vieilles ballades d’autrefois mais mue en une créature électrique et électrisante. Alors que A.G.Cook travaille pour Charli XCX, le genre explose soudain. On peut aussi remercier le confinement du au COVID de 2020 qui aide le genre à s’imposer. Et suprême honneur, truste les premières places des charts et vend des albums par millions. Pour un micro-genre apparu comme l’enfant bâtard de la pop, c’est une sacrée prouesse. Les nouvelles stars de cette pop sont gays, bi, voire trans comme la regrettée SOPHIE. Elles se permettent le luxe d’être agressives et parfois inaudibles (100gecs, PinkPantheress), et leur esthétique globale est à millie lieux des sages intérieurs roses d’autan. Charli XCX reviste Crash de Cronenberg avec du sang et du stupre, KALIKA et Yelle parle de fellation sans tabou, FKA Twigs se perd dans un surréalisme dadaïste qui laisse parfois pantois. Bref dans l’hyperpop, l’esthétique n’est pas que décorative, mais une part essentielle de son âme. Les tenues sont folles, les couleurs radioactives et les formes incongrues, certains objets s’en démarquent : chokers so années 2000, tissus iridescents ou vinyls, crop tops années 90, chaussures ou baskets à plateforme. Les clips sont étranges, les sujets parfois tabous sont montrés sans complaisance, une certaine hystérie s’en dégage. Good Ones de Charli XCX évoque un enterrement en mode veuve joyeuse, It’s OKay To Cry de SOPHIE commene par un beau ciel bleu avant de finir en tempête, Erotic Electronic de Slayyter est un prétexte pour voir la chanteuse défiler dans les rues de L.A… complètement nue. Comme pour sa musique, le but est de marquer les esprits dans tous les sens du terme….

Hyperpop, hyper-rap et hyper hype

Une chose est sûre, la soudaine popularité de l’hyperpop a de quoi étonner les anciens, mais pas franchement les nouveaux. Elle doit sa popularité extrême à TikTok et les réseaux sociaux, cette fois ci bien installés. Il faut dire que ce genre a tout pour plaire aux ados millenials : BPM hauts, auto-tune facile et sans complexe, myriade de sons électroniques dans un temps réduit. Parfait pour une énième vidéo de danse virale sur TikTok donc ! Mais sous la couche numérique, bat un tout petit coeur de rouille. L’hyperpop peut parfois laisser voir ses failles, son anxiété, ses doutes, l’ennui de la technologie. Des problèmes que connaissent bien les ados du millénaire. On note aussi ce besoin d’euphorie constante, cette fête perpétuelle, les substances illicites expérimentées dans un bazar sonore conséquent. Il n’est pas facile d’être un millenial, un ado tout court. L’hyperpop est la parfaite synthèse de ce que peut vivre un jeune d’aujourd’hui.

La nouvelle prêtresse de cet hypergenre est donc Charli XCX. Jeune Anglaise d’origine indienne, elle commença sa carrière à 16 ans, sortant des EP de très bonne qualité sur MySpace. Puis une période de doute la fait totalement arrêter la musique avant de recommencer en 2012 avec le très beau True Romance. S’enchaînent depuis les succès et la gloire. Il faut dire que la jeune femme est le pont ultime entre cette nouvelle musique hyperconnectée et la pop teenager d’antan. Elle se permet de s’inspirer de Britney Spears et Avril Lavigne tout en faisant la promotion d’artistes très underground comme Caroline Polachek, Sky Ferreira ou encore cupcakKe. Une très grande prouesse. Son album, Charli, sorti en 2019 est le fer de lance et l’explosion de l’hyperpop. Bariolé, gavé de featurings de qualité, magnifiquement produit et maîtrisé, l’album est un must.

Le méga hit 1999 en duo avec Troye Sivan est considéré par beaucoup comme l’hymne parfait de l’hyperpop. Influences 90’s, synthés old school, ambiance adolescente, la chanson est le porte-étendard idéal. Et que dire du clip : des références aux Sims, à Marilyn Manson, aux pubs Skechers et Tena, à Titanic et American Beauty. La nostalgie est totale pour quelqu’un comme moi, né en 1990 et étonnante pour tout millenial né après 2000. Encore une fois, le pont parfait entre l’ancienne et la nouvelle génération.

Mais l’album ultime, considéré comme beaucoup comme le véritable chef-d’oeuvre de l’hyperpop est Oil of Every Pearl’s Un-Insides de SOPHIE. Personnage mystérieux de l’électro underground, elle se démarque pour ses remix pointus et son grand sens de l’harmonie électronique. Femme trans, elle se définit comme non-binaire. Elle surfe aussi bien sur son genre que sur les genres musicaux : électro sèche, EDM de fête foraine, le tout avec une voix à la fois grave et haut perchée. A l’affût de la nouveau, la grande Madonna co-écrit avec elle Bitch I’m Madonna, réalise des remix pour Rihanna et… Charli XCX. Elle collabore avec une inconnue devenue mégastar de la teen pop : Kim Petras. Ses talents indéniables de DJ créent des merveilles pop modernes comme la mixtape de Charli XCX Number 1 Angel, ou son album Pop 2. 

Après des collaborations remarques avec Vince Staples et Lady Gaga elle-même, elle sort Oil of Every Pearl’s Un-Insides en 2018. C’est une bombe. L’album est un voyage merveilleux entre la pop électro la plus pure (It’s Okay To Cry), la violence noire (Faceshopping), parsemée de moments d’accalmie brumeux (Immaterial). SOPHIE a tout fait elle-même : mixage, arrangements, direction artistique et réalisation de ses clips vidéo. Glitchs furieux, morceaux ambient, techno industrielle, tous les genres électro sont représentés et magnifiés par l’artiste. 

Les albums de l’hyperpop éclatent comme des supernovas dans un ciel trop calme. Citons 1000gecs de 100gecs, tout à fait représentatif de ce genre excessif avec voix bourrée d’Auto-Tune, arrangements tarabiscotés façon 8 bit – un autre sous-sous-genre appelé glitchcore. L’album est bien accepté par les majors et la presse mainstream. Un événement de taille pour un album qu’on verrait plus dans une rave illégale que sur MTV. money machine devient l’hymne des TikTokers en mal de vue. Flamboyant de Dorian Electra, chanteuse queer de Houston, est le penchant élégant et romantique d’un genre hystérique. Ses ballades électro Mr To You ou le très beau Man To Man, sont aussi engagées sur la cause LGBT que riches d’émotions. Le méconnu et très beau Reflections d’Hannah Diamond est une version épurée et « kawaii » de cette pop hypertrophiée. Les délicats Invisible et Love Goes On en sont la preuve. Dans un style plus sexuel et agressif, notons la participation de la blonde et décadente Slayyyter. Son album STARFUCKER au titre équivoque parle volontiers de sexe cru et violent, de désirs larvés et de sensations intenses. 

Chose étonnante, l’hyperpop ne se contente pas que de pop justement. On observe une mue étonnante chez des chanteuses de R’n’b comme Pinkpantheress. Son album to hell with it, est un bijou de douceur, avec des ballades d’une splendeur sans égale comme Pain ou encore Last Valentines. La fraîche Shygirl, Anglaise de naissance, est devenue en l’espace de quelques mois la reine du cool. Nymph, sorti en 2021, est son manifeste queer pour une sexualité épanouie et parle sans détour de plaisir féminin. Sous les beats de rap et les arrangements r’n’b, l’électrisante hyperpop pointe parfois le bout de son nez. Il n’est plus honteux comme autrefois de mélanger électro, rock et rap, avec la crainte de se faire jeter. Le Klub des Loosers ou encore TTC (Teki Latex) peuvent être fiers du chemin parcouru, alors qu’ils étaient peu reconnus à leur époque (les années 2000)…

Un océan faussement tranquille

Enfin, l’hyperpop a gagné les foyers, a récolté ses lauriers et se trouve bien placée dans les charts mondiaux. Mais ce genre divise. Et la critique au début, n’est pas très tendre. On est pantois voire sceptiques sur certains sons venus d’on ne sait où, et le micro-genre paraît parfois hermétique. Son absence de jugement la rend appréciable de premier abord. Mais son refus d’intellectualiser ne permet pas une franche plongée dans ses méandres, si bien que parfois on a l’impression de rester à la surface. En même temps, l’hyperpop n’est rien d’autre que de l’hyperpop. Il suffit de s’y plonger et de profiter de l’instant présent, et ce n’est pas plus mal. 

Pourtant, une critique récurrente est que comme tous les micro-genres, l’hyperpop est versatile. Et elle ne prend pas vraiment le temps de s’installer et de « durer » si l’on peut dire les choses ainsi. On peut louer les efforts importants de PC Music, d’embrasser cette culture digitale et de l’imposer comme nouveau fer de lance. Mais le credo de l’hyperpop, c’est le « maintenant », le « présent », pas question de s’ancrer dans le passé (trucs de vieux?). C’est cette spontanéité qui rend le genre intéressant, mais parfois un peu vain. Cette impatience, cette hystérie collective, bien malgré elles, ne sont-elles pas les nouveaux maux des millenials? Tout, tout de suite. Les chansons, efficaces, se consomment rapidement, comme un fast-food. Les titres, raccourcis, et les conclusions parfois abruptes de certaines compositions renvoient à cette culture du clickbait actuelle.

Autre point intéressant : l’héritage. Si on reproche à l’hyperpop de faire tout avec n’importe quoi, on ne peut pas dire que les anciennes gloires ont été oubliées. Eurodance, dubstep et techno des années 2000 abondent dans cette sauce. Tout comme les gloires du passé comme Rebecca Black avec Let Her Burn, efficace et complet. Un subtil album avec un hommage appuyé au trip-hop des années 90 aux légères teintes fluo-disco. Oui, l’hyperpop ose, et tant pis si le mélange ne prend pas puisqu’elle aime se moquer d’elle même.

Tout n’est donc pas rose au pays du fluo. Dazed lui même sort un article en 2022 intitulé « Adieu l’hyperpop : l’ascension et la chute du « genre » le plus détesté d’Internet« . Ce qui prouve que ce genre polarise encore aujourd’hui. Et l’on observe une guéguerre parfois fatiguante entre les puristes et les néophytes, les vieux de la vieille et les jeunes, bref l’ancien monde et le nouveau monde. L’éternelle querelle des anciens et des modernes, mais aussi celle des jaloux et des précautionneux. Spotify lance en 2019 sa playlist sobrement intitulée « Hyperpop » et Apple, un peu courroucé par le succès de celle-ci, riposte. Elle sorte sa propre playlist rebaptisée « Glitchcore« , qui deviendra un sous-sous genre (vous suivez) de l’hyperpop. Comme cités dans l’article de Dazed, les artistes fatigués d’être re-marketés telles des bouteilles de jus d’orange, rebaptisèrent à leur propre insu la musique en « digicore« . Ce qui avait été conçu comme une blague devint très sérieux quand toute une ribambelle de gamins se réclamèrent du digicore et firent leur propre galette dans leur chambre et LF Studio. 

Forcément, les labels répondent présent à un peu de nouveauté. Et remplir le tiroir-caisse, capitalisme oblige. On pourrait être contents que toute une génération d’artistes se réclament de l’hyperpop. Mais cela cache forcément un revers : une quantité assez importante de musiciens relevant de l’expérimental se trouvent marqués comme faisant de l’hyperpop. Ouch. Quand d’autres, lassés de l’étiquette, transgressaient allègrement les limites pour sortir de ce cadre devenu encombrant. Même dans le monde de la musique, une petite pichenette de papillon pouvait accoucher d’un tsunami comme l’hyperpop. Et même dans le monde vaporeux de l’hyperpop, les considérations bassement terre-à-terre comme l’argent et la rentabilité existaient et dictaient leurs lois.

Un sous-genre condamné, d’une certaine façon, à disparaître…

Fin de l’hyperpop ?

De soubresauts d’une mort avancée avaient été décelé.  Déjà la mort accidentelle et tragique de SOPHIE, en 2021. L’artiste décède d’une chute accidentelle pour avoir voulu observer la pleine lune à Athènes. L’hyperpop perd une de ses déesses… et aussi beaucoup d’innocence. Car comme le genre plaît, il faut le rentabiliser. En 2022, la production devient agressive et énormément de chansons, singles, EP, remix sortent dans un bordel extraordinaire. Une surproduction qui a eu tendance à lasser. De plus, le genre lui-même, caractérisé par cette philosophie de l’instant, s’essoufflait de lui même. Du coup, un doute subsiste : les artistes étiquettés hyperpop sont-il honnêtes ? Une autre question frappe : est-ce que l’hyperpop est morte à force de faire de l’hyperpop justement? En naissant dans le bruit et la fureur, l’hyperpop avait prédit sa propre disparition. Trop de fêtes tue la fête c’est certain, et les artistes voulaient voler de leurs propres ailes. Charli XCX tweeta « RIP Hyperpop » pour bien marquer le coup, et Slayyter de son propre aveu affirmait changer de direction après STARFUCKER et Troubled Paradise. 

Glaive, alias Ash Blue Gutierrez, avait sorti un album remarqué sur Interscope, I Care So Much That I Don’t Care at All, après un buzz survenu au confinement. Il avouait sans peur qu’il avait changé certains effets de style comme les glitch et les mélodies chiptune pour se rapprocher du « vrai ». Selon lui le terme « hyperpop » est galvaudé, ce qui n’empêche pas le jeune artiste d’être étiquetté dans ce genre. Les temps ont changé, les ados de 2013, année de naissance de l’hyperpop, sont devenus des adultes. Et se permettent de tourner le dos à celle-ci. Preuve de son enterrement première classe : 10 000 gecs, de 100 gecs, sorti en 2023. En l’écoutant on observe une meilleure écriture, une tendance au refrain rock, parfois métal, avec des ambiances industrielles plus marquées. L’hystérie propre à l’hyperpop se fait toujours sentir, mais on sent que le groupe a mûri et tente de se débarasser de l’étiquette. On pourrait être triste d’un tel constat, mais c’est aussi la preuve qu’un groupe peut se réinventer sans perdre son âme. Et j’ai même tendance à préférer cet album au précédent, peut-être moins hystérique et plus proche du « vrai ». Des éléments hyperpop dans l’air ambiant persistent toujours. La rappeuse américaine Rico Nasty renomme ses chansons en « Time Flies » ou encore « iPhone« , signes distinctifs des » hyperpopistes ». Elle s’est même invitée sur un album de 100 gecs. L’album Chromatica de Lady Gaga et sa version remix sont indéniablement hyperpop dans toutes leurs esthétiques. 

Même si l’on peut reprocher son excès perpétuel, l’hyperpop a plus de choses à nous dire qu’on ne le pensait. Ses claviers furieux, ses excès sonores avaient plus à raconter que n’importe quel sous-genre apparenté. En tant que genre, elle peinait à s’imposer et était de toute façon condamnée à une fin certaine. Mais en tant que simulation de la pop, elle avait tout gagné. Et puis dites vous bien que ce qui est sur Internet, reste sur Internet. Son aura iridescente accompagnera encore de nombreux aspirants musiciens.

Glaive déclarait en 2023 que le genre ne mourra jamais. A bon entendeur, salut les hyperpopistes.